Un cilentano nella terra dei Papi: Paolo de Matteis a Roma

Un cilentano in Europa era il titolo della mostra dedicata a Paolo de Matteis, tenutasi l’anno scorso al Museo diocesano di Vallo della Lucania. Non esiste in effetti una formula più felice per definire il più importante pittore cilentano, nato a Piano Vetrale nel 1662 e operante in tutta Italia, Francia e Spagna. Le sue opere, oltre che in diversi centri del Meridione, si trovano nelle più suggestive capitali europee: Roma, Londra, Parigi, Madrid e Vienna.

E proprio a Roma il de Matteis si recò in diverse occasioni, lasciando tracce importanti della sua arte pittorica. Alcune di queste opere sono di proprietà privata, oppure si trovano in collezioni raramente aperte al pubblico, come il Palazzo Rospigliosi. Almeno due tele, invece, sono facilmente accessibili, per giunta gratuitamente, in quanto si trovano in due tra le più importanti basiliche romane: Santa Maria sopra Minerva e Sant’Andrea delle Fratte. Pochi cenni artistici sono sufficienti per comprendere la rilevanza di queste chiese. Santa Maria sopra Minerva, che si trova a due passi dal Pantheon, ospita pregevolissimi dipinti di autori dei secoli XV-XVIII (Filippino Lippi, il Verrocchio e tanti altri), nonché gruppi scultorei del Bernini e una celebre statua di Michelangelo raffigurante il Cristo. Inoltre, in questa Basilica è il sepolcro di S. Caterina da Siena. La Basilica di Sant’Andrea delle Fratte, non distante da Piazza di Spagna, è celebre invece per l’originale campanile opera del Borromini; anch’essa racchiude al suo interno opere pittoriche e scultoree di indubbio valore. Questi sommari dati sono sufficienti per capire l’importanza di Paolo de Matteis, i cui lavori si trovano negli stessi luoghi dove hanno operato alcuni dei più grandi maestri del passato.

Dei due dipinti di de Matteis non sono riuscito a trovare alcuna immagine sulla rete; ho deciso pertanto di fotografarli, in modo da farli conoscere, sia pure virtualmente, a chiunque fosse interessato. Di fronte a queste opere ho provato una forte emozione, pensando a come un uomo proveniente da una terra povera e quasi sconosciuta sia riuscito a lasciare il suo nome ai posteri, destinandolo all’immortalità. Invito dunque tutti i cilentani che si recano a Roma ad abbandonare per un momento gli itinerari consueti e abusati, per ritrovare un pezzo importante della loro terra d’origine.

Nella Basilica di Santa Maria sopra Minerva, nella cappella di San Domenico (a sinistra rispetto all’abside), si trova la meravigliosa pala d’altare raffigurante La Madonna che offre l’icona con San Domenico tra S. Caterina e S. Maria Maddalena, dipinta dal de Matteis tra il 1723 e il 1726. Nella stessa cappella è sepolto il Pontefice Benedetto XIII. La tela è interessante per almeno due ragioni, oltre che per la superba tecnica pittorica. In primo luogo, notevole è il contrasto tra la Maddalena, raffigurata con povere vesti da popolana, e Caterina d’Alessandria, la cui origine nobiliare è evidente nell’abito ricercato e nei gioielli che la adornano. Un altro particolare mi ha colpito: la presenza di un “dipinto nel dipinto”. La Madonna, infatti, aiutata dalle due Sante e da un putto, sorregge una vera e propria icona, con tanto di cornice, ove è riprodotta l’immagine di S. Domenico.

La seconda opera, forse di minore impatto emotivo ma egualmente significativa, si trova sulla volta della sagrestia della Basilica di Sant’Andrea delle Fratte. È visibile attraverso una porta a vetri, ma, se domandate ad un frate, vedrete esaudito di buon grado il vostro desiderio di ammirarla più da vicino. Il dipinto è intitolato San Francesco di Paola e l’estasi delle tre corone e raffigura una delle vicende mistiche e soprannaturali che caratterizzarono la vita del celebre Santo, quando venne trovato da alcuni suoi confratelli in estasi, sollevato da terra e con tre corone luminose che gli cingevano il capo.

Un itinerario insolito e affascinante, per onorare un personaggio che ha portato un po’ di Cilento nell’eterna città dei Papi.

"Fonologia del dialetto cilentano" di Lewis Amedeus Ondis: riscoprire la lingua degli avi

Fonologia del dialetto cilentano (pubblicato in Italia da Galzerano Editore) è un saggio di sicuro interesse per almeno due ragioni: per la straordinaria vicenda umana del suo autore, il professor Lewis Amedeus Ondis (nato Luigi Amedeo Ciuccio), e perché si tratta di uno dei primi e più compiuti studi sul dialetto della parte meridionale della provincia di Salerno, il Cilento.

Grazie alle accurate ricerche di Giuseppe Galzerano, che firma la prefazione dell’opera, veniamo a conoscenza di un uomo che “partito solo e povero dal Cilento […] riuscì a conquistare la docenza nelle università americane, onorando così se stesso, la sua terra e la sua gente”. Ondis era figlio di poveri emigranti, trasferitisi da Cicerale a Providence. Fino a diciassette anni non ricevette un’istruzione regolare, ma grazie alla sua tenacia e ad una straordinaria forza di volontà riuscì a conseguire la laurea, fino a divenire stimato professore presso diverse università americane e canadesi. Morto nel 1987, ha vissuto un’esistenza per certi aspetti irripetibile, incarnando in pieno il cosiddetto “sogno americano” e riuscendo a sfuggire al destino di miseria e di emarginazione cui spesso gli emigranti sono stati condannati.

Fonologia del dialetto cilentano è la sua tesi di dottorato, pubblicata nel 1932 nella prestigiosa collana dell’Istituto di Studi Francesi di New York. L’opera, dedicata alla moglie e all’anziana madre, rappresenta un sentito e ideale filo conduttore con la terra d’origine, che il professor Ondis continuava ad amare, sebbene non gli avesse dato che miseria. Nella prima parte, l’autore fa una breve ricognizione sulla millenaria storia del Cilento, evidenziando come le invasioni succedutesi nei secoli abbiano lasciato il segno nel suo dialetto; non è raro, pertanto, trovare parole di origine araba, francese, spagnola, latina, greca o persino germanica. Quindi, egli si occupa di rimarcare le differenze tra il dialetto cilentano e quello di altre zone dell’Italia meridionale. Nei tre successivi capitoli, dedicati ai suoni, alle vocali e alle consonanti, il professor Ondis svolge la parte più tecnica della sua tesi, studiando approfonditamente la fonologia del dialetto (es., sul c.d. “raddoppiamento consonantico”).

Si tratta di un’opera che può essere letta a due livelli: per gli studiosi di fonologia è un imprescindibile strumento di studio e ricerca; per tutti gli altri, è un libro utile soprattutto per conoscere l’etimologia di alcune parole.

Si segnala questa edizione, oltre che per il citato saggio dell’editore Galzerano, perché riporta in appendice la recensione del professor Rohlfs dell’Università di Tubinga, uno dei massimi studiosi dei dialetti dell’Italia meridionale.

La cultura dell'uva fragola e della pasta e fagioli

C’è una vecchia canzone dei Napoli Centrale che si intitola A musica mia che r’è. I primi versi recitano: “A musica mia che r’è? È vino e’ fravulelle e pasta e fasule” (Cos’è la mia musica? È vino di uva fragola e pasta e fagioli). Raramente ho letto o ascoltato una così precisa descrizione della poetica di un artista. I Napoli Centrale, forti di un nutrito seguito di pubblico e degli apprezzamenti della critica, avrebbero potuto utilizzare parole diverse, più alla moda, avrebbero potuto citare il free-jazz, l’improvvisazione, Miles Davis o il suono mediterraneo e il folclore. Eppure nessuna frase sarebbe stata più incisiva di questa, nessuna citazione sarebbe stata in grado di rendere l’idea meglio del vino fragolino e della pasta e fagioli. Queste poche parole, anche se semplici, possiedono una straordinaria forza evocativa, che trascende il dato meramente letterale e richiama alla mente una dimensione umile ma dignitosa, ove custodire un geloso canto di privatezza. L’immagine usata riporta ad un ambito domestico quieto, al paese natale, alla casa dove si è nati, alle abitudini semplici che ci appartengono. Vino e pasta e fagioli finiscono così per diventare una metafora della propria cultura di appartenenza, meridionale e contadina.
Il gusto oggi imperante nell’arte, nella letteratura, nel cinema e in televisione sembra aver dimenticato questa cultura. Volutamente la rifiuta, la considera ingombrante retaggio da accantonare. Il vino e la pasta e fagioli ci parlano di un universo dove ogni cosa ha uno spazio ben definito e dove il trascorrere lento del tempo non è un ostacolo all’incedere roboante della modernità, ma costituisce la naturale dimensione in cui collocare la vicenda umana.
Nella nostra epoca, invece, i libri sono diventati un prodotto commerciale da consumare in fretta, meglio ancora se viene eliminato il supporto materiale che da sempre li ha contraddistinti, la carta. Le opere di successo ci parlano sempre meno di quello che siamo veramente, e sempre di più di quello che vorremmo essere: supereroi, vampiri, poliziotti dal fiuto infallibile, conquistatori di successo, manager spietati o archeologi del mistero. Per tale ragione questi libri (o film, o altro genere di opere) sono destinati ad una rapida obsolescenza, programmata e voluta da chi li ha concepiti come prodotti di consumo e nulla più. Chi usufruisce di questi prodotti crede di capire il mondo, di essere un cittadino universale, di non rinchiudersi in una cultura di appartenenza ritenuta limitata e di angusti orizzonti. Il risultato è che le culture di origine cedono sempre di più il passo all’esterofilia dominante, ad una piatta uniformazione di linguaggi e contenuti che ci impoverisce anziché arricchirci.
Ci vorrebbe, nelle librerie, nei cinema e in televisione, un ritorno al vino fragolino e alla pasta e fagioli, metafora di un patrimonio di conoscenze apparentemente limitato, ma che in realtà aiuta davvero a capire chi siamo. Vale a tal proposito quello che Camus disse di Silone, quando lo definì “uno scrittore legato alla sua terra natale eppure talmente europeo”. Ecco, forse Silone ci parla del vino e della pasta e fagioli, ma dentro le sue pagine di vita semplice e contadina si nasconde l’uomo.

I Napoli Centrale (foto tratta da http://classikrock.blogspot.it/) 

"Il segreto di Luca" di Ignazio Silone: un caso di coscienza e di impegno civile

Luca Sabatino, scontati ingiustamente quaranta anni di carcere, di cui dieci in isolamento, fa ritorno al paese natale dopo aver ottenuto la grazia. In breve scopre che nulla è mutato nella mentalità dei suoi compaesani, e che meschinità e grettezza sono ancora i tratti caratteristici di quella gente. Nessuno vuole più avere a che fare con lui, sebbene molti siano consapevoli della sua innocenza; solo tre persone gli rivolgono la parola e si interessano, seppure in maniera diversa, al suo caso. Il primo è il giovane Toni, che, nonostante la sua semplicità, dimostra di saper vedere oltre le apparenze e di saper indagare nel cuore degli uomini meglio di tanti che si ergono a giudici. Il secondo è don Serafino, parroco del villaggio al tempo del processo, che si prende cura dell’ex ergastolano per aver avuto a suo tempo una parte importante nella dolorosa vicenda. Infine, c’è il socialista Andrea Cipriani, che ritorna al paese natale dopo aver trascorso dodici anni in esilio per la sua fiera opposizione al fascismo. Andrea, che riveste un incarico importante nel partito a Roma, delude le aspettative dei suoi compaesani, rifiutandosi di dispensare favori e raccomandazioni. Egli, infatti, disdegna gli incontri politici e si dedica anima e corpo alla vicenda di Luca. Da bambino, infatti, aveva scritto per conto dell’analfabeta madre di Luca le lettere che questa inviava al figlio in carcere. L’aver partecipato, sia pure in veste di mero scrivano, ad un caso così drammatico, ha rappresentato per Andrea il primo e confuso approccio con il dolore dell’esistenza. Per questo motivo, ciò che soprattutto gli preme è il ristabilimento della verità, che diventa una sorta di necessità.
In particolare, Andrea vuole sapere per quale motivo al processo Luca avesse rifiutato di difendersi, finendo per accettare con animalesca passività la condanna all’ergastolo. Davanti ai giudici, pur proclamando la propria innocenza, egli non aveva mai voluto rivelare dove aveva trascorso la notte in cui era stato commesso l’omicidio di cui era accusato. Ha inizio così per Andrea Cipriani una vera e propria indagine personale, in cui si scontra con pregiudizi, superstizioni, omertà e con l’irriducibile silenzio dello stesso Luca. La scoperta della verità ha il sapore di una rivelazione, che trascende il caso individuale per imporsi come metro di valutazione della natura umana. Il segreto di Luca, infatti, altro non è che la strenua difesa di un amore platonico, un amore contadino per cui sacrificare persino la propria libertà.
Il segreto di Luca è un grande romanzo di impegno civile, che scandaglia nel profondo il conflittuale rapporto tra diritto e onore, tra legge e sentimento. Luca Sabatino, pur nella sua estrema semplicità di contadino, aveva compreso che la risposta a taluni drammatici casi della vita non si può trovare negli impersonali commi del codice, ma in una dimensione intima che vale come autentica prova di innocenza.

Copertina di una vecchia edizione Oscar Mondadori

"Viviamo da tempo una forma di medioevo moderno": intervista a Miro Sassolini

Miro Sassolini, storica voce della new wave italiana, ormai da molti anni porta avanti una coraggiosa attività di contaminazione tra le arti, di cui il disco Da qui a domani (2012, Black Fading Records) costituisce l’ultimo tassello. E proprio l’ascolto di questo lavoro mi ha spinto a cercare Miro, per porgli alcune domande sul suo nuovo interessantissimo progetto, che mescola sapientemente voce, musica e poesia. Premetto che la mia intenzione è stata quella di fare un’intervista “da qui a domani”, ovvero riguardante il disco ed i progetti futuri. Inoltre, poiché il mio è un blog prevalentemente di letteratura, le domande hanno avuto ad oggetto anche questo tema.

Ringrazio di cuore Miro Sassolini per la disponibilità e la sensibilità dimostrate, nonché Monica Matticoli, senza il cui contributo questa intervista non sarebbe stata possibile. Buona lettura.
    

Domanda. Qual è il ruolo della Poesia in questo suo ultimo disco?

Risposta. La poesia ha generato una sorta di Big Bang a monte e Da qui a domani è la conseguenza di questo evento, è il frutto di quell’esplosione così come l’energia sprigionata è il combustibile per i progetti futuri. Dalla lettura del libro di Monica Matticoli e Valentina Tinacci, Venti lucenti unghie, attraverso Da qui a domani e fino al lavoro che stiamo portando avanti la poesia compone, insieme alla musica, alla voce, alla contaminazione fra generi e linguaggi, lo scenario su cui compiamo le nostre scelte artistiche e progettuali.

D. Che importanza possono avere la poesia e la letteratura nella nostra epoca, che appare così vuota di bellezza?

R. L’uomo (non il poeta) è l’unico responsabile del vuoto di bellezza nella nostra epoca perché col tempo è diventato “orrendo dentro”. Poesia e letteratura rappresentano solo una parte della bellezza perduta. Viviamo da tempo una forma di medioevo moderno ed è (di nuovo) come se la bellezza fosse solo di chi va alla guerra.   

D. Nel disco sono evidenti riferimenti colti, letterari e musicali. Cosa legge oggi Miro Sassolini? E cosa ascolta?

R. Leggo di tutto, ascolto di tutto e metabolizzo solo quello che mi serve. Nel disco i riferimenti colti sono frutto di questa selezione naturale.

D. Le librerie sono piene di opere mediocri, scritte specialmente da personaggi televisivi o diventati noti per mezzo della televisione, come calciatori, saltimbanchi e attori di modesta caratura. Lo stesso dicasi per i negozi di dischi. Cosa significa affrontare oggi in Italia un progetto musicale impegnativo e di non facile presa sulle masse come il suo? 

R. La mediocrità è un’arma secolare. L’uomo può essere eccelso o mediocre, in mezzo ci sono tutte le sfumature della sua natura, lo dice la storia. La storia ci insegna anche quanto la mediocrità sia necessaria per generare piccole e grandi rivoluzioni culturali. La mia progettualità è autentica e contemporanea: sta a me trovare soluzioni, vero; agli altri invece tocca dotarsi di recettori capaci di individuarmi, non vedo alternative e quindi non mi pongo il problema. Faccio quello che mi piace.

D. In una recente intervista, fatta ad XL de La Repubblica, lei ha fatto un riferimento preciso a Demetrio Stratos, un artista che sarebbe riduttivo definire un cantante. Anche lei, ritornato al canto dopo molte e diverse esperienze artistiche, ha in mente un progetto di ricerca sulla voce, da trattare alla stregua di uno strumento?

R. Su Stratos ho detto tutto quello che avevo da dire. Il resto è assolutamente personale, lo è sempre, ne parlo così poco... Ci tengo (ancora una volta) a dire che non ho mai lasciato il canto: un ventennio di ricerca e sperimentazione vocale può bastare. La voce è uno strumento, il più intimo e complesso. Stiamo lavorando per renderla un insieme di suoni universali.

D. Quali sono i suoi futuri progetti di artista? In particolare, sono in cantiere nuovi lavori col marchio S.M.S.?

R. Il prossimo album attraverserà la complessità dello strumento voce: sarà un lavoro antropologico, ancestrale come i suoni dei nostri antenati, evoluto nella sua forma più contemporanea. Per adesso non posso aggiungere altro ma ne riparleremo, volentieri, più avanti.

(Miro Sassolini fotografato da Angelo Gambetta - Terranuova Bracciolini - AR - 16/11/2013)

Sito ufficiale Miro Sassolini:
http://mirosassolini.wordpress.com/

La mia recensione del disco Da qui a domani.

"Da qui a domani" di S.M.S. Miro Sassolini: un disco che scava nel profondo

S.M.S. è il nome del nuovo progetto musicale di Miro Sassolini, storica ed indimenticata voce della new wave italiana, che, dopo aver intrapreso negli ultimi anni altre e diverse esperienze artistiche, è tornato al canto, quale forma primigenia di espressione. Da qui a domani (2012, Black Fading Records) è il titolo del primo lavoro di questo collettivo, che unisce, oltre al citato Miro Sassolini, la poetessa Monica Matticoli, Cristiano Santini, Federico Bologna e Daniele Vergni. Si tratta indubbiamente di una proposta interessante, di un disco di non facile assimilazione, da ascoltare più e più volte, preferibilmente in cuffia.

Sopra un tappeto sonoro minimale, prevalentemente elettronico, si staglia la riconoscibile voce di Sassolini, che ha il merito di dare sostanza e corpo a testi di rara suggestione e poesia. Si può quindi affermare che lirismo, elettronica e interpretazione vocale costituiscono i tre capisaldi di questo lavoro, perfettamente fusi in un inestricabile intrico armonioso, tanto che nessuno dei tre elementi potrebbe brillare di luce propria. Ma forse è proprio la voce di Miro, nella sua concreta tangibilità e teatralità, a tenere le redini del discorso ed a guidare l’ascoltatore nelle pieghe del suono. Basti ascoltare Disvelo, una delle tracce più interessanti dell’album; è qui evidente che le parole e la musica sono al servizio di un’interpretazione vocale sentita, profonda ed emozionante.

Senza voler fare paragoni con altri artisti, che appaiono impropri data l’originalità di quest’opera, è tuttavia possibile rintracciare influenze colte nei testi e nella musica: dalla tradizione cantautoriale italiana, passando per la dark wave, l’elettronica e il migliore rock italiano degli anni ’90. Insomma, un disco denso di suggestioni, che dà l’idea di non essere un prodotto occasionale, destinato ad una rapida obsolescenza, ma un’opera meditata, che proprio nel non essere attuale trova il suo punto di forza. Dodici le tracce che compongono il disco, su cui svettano, per un’evidente compiuta commistione di parole, musica e interpretazione, Disvelo, Rimane addosso la veste lacerata del risveglio e Mai troppo chiuso il tempo. E proprio in quest’ultimo pezzo è contenuto il verso “averti inventata / vorrei, nel mio grembo”, che forse rappresenta il punto lirico più alto dell’album, nell’idea del sentimento dell’amore che diventa desiderio di generazione.

“Una droga per il mio cuore malato” ha scritto un anonimo utente su You Tube per definire questo lavoro, dimostrando di averne capito il senso più profondo. Questo è prima di tutto un disco d’amore, parola spesso abusata o usata impropriamente, ma che è l’unica in grado di dare luce nella notte sempiterna di questi tempi e della nostra anima. E Miro lo ha capito.

La copertina dell'album.

"Il disertore" di Giuseppe Dessì: un insolubile dilemma di coscienza

A Cuadu, piccolo centro dell’Iglesiente, nei giorni convulsi del Fascismo nascente, una donna che ha perduto entrambi i figli nella Grande Guerra dona tutti i suoi risparmi al comitato che si occupa dell’erezione di un monumento ai caduti. Il fatto è eclatante per due ragioni: innanzitutto perché Mariangela Eca, donna umile e povera, ha donato più dei ricchi possidenti del paese, i cosiddetti “prinzipales”; in secondo luogo perché è sempre stata lontana dalle celebrazioni patriottiche e dai clamori della “vittoria mutilata”, sempre chiusa in un silenzio impenetrabile. La ragione di tale eclatante gesto consiste nel fatto che uno dei suoi figli, Saverio, è in realtà un disertore, fuggito dalle trincee e venuto a morire nei boschi della Baddimanna, a casa. Nessuno, a parte la madre e il sacerdote Coi, è a conoscenza di questo evento. La sconsolata Mariangela, che per amore del figlio non vuole che gli altri vengano a conoscenza della diserzione, desidera con tutte le sue forze la costruzione del monumento, perché è convinta che una volta che i nomi dei figli saranno impressi sul marmo, verrà finalmente calata una pietra tombale sulla vicenda bellica e sulla sue celebrazioni. La pietra è silenzio, addirittura strumento di redenzione per Saverio, la cui triste vicenda nessuno verrà mai a sapere.

Mariangela non ha voce, si esprime solo con i gesti e con un silenzio carico di significato. È il dolore ad averla resa muta e indifferente al resto. Le sue azioni sono guidate dall’ancestrale sentimento della pietas materna, che la porta a perdonare il figlio che ha sbagliato, anzi ad amarlo di più. L’altro grande personaggio del romanzo è invece padre Coi, l’unico ad essere venuto a conoscenza della verità, sia pure nel segreto della confessione. Egli vive un terribile conflitto interiore, che contrappone il dovere di sacerdote e, prima di tutto, di cittadino, con gli obblighi morali imposti dalla pietà e dall’umana compassione.

A quest’opera è stata mossa una critica da parte di chi ha sottolineato che Dessì avrebbe curato poco il contesto ambientale e storico in cui si muovono i due personaggi principali, riducendolo a mero contorno. In verità, credo che l’autore abbia volutamente costruito la sua opera ponendo maggiore attenzione alla dimensione intima e alla vicenda tragica ma minima di Mariangela e padre Coi, accennando solamente alla contingenza storica, al nascente Fascismo, alle lotte sindacali dei minatori, ai conflitti tra “prinzipales” e socialisti. Il disertore, dunque, è il racconto di una questione privata (per usare il titolo di un celebre romanzo di Fenoglio), una storia umana di pietà e redenzione e un insolvibile dramma di coscienza.

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"Signora Ava" di Francesco Jovine: alle radici della Questione meridionale

La signora Ava è una ancestrale figura del folclore molisano: per indicare un’era antichissima, in cui fantasia e realtà, magia e razionalità si confondevano, si parlava appunto del “tempo della signora Ava”. Jovine scrive questo romanzo rielaborando le figure, i personaggi e le vicende che popolavano i racconti che da piccolo ascoltava intorno al fuoco, specie nel corso delle lunghe veglie invernali. Per tale ragione l’opera è dedicata alla memoria del padre, “ingenuo rapsodo di questo mondo defunto”.

Il romanzo narra la drammatica vicenda della “conquista del Sud” (per usare un’espressione coniata da Carlo Alianello) dal punto di vista dei contadini del Molise. Le due parti che lo compongono sono differenti per tematiche e stile. Nella prima l’autore molisano, che racconta la vita quotidiana di Guardialfiera alla vigilia degli eventi risorgimentali, usa un tono ironico, quasi bonario e divertito; specialmente si concentra sull’eterna lotta tra “cafoni” e “galantuomini”, ovvero tra i contadini e i nobili proprietari terrieri. La seconda parte si apre con la notizia della guerra; in breve il ritmo della narrazione diviene più concitato e il tono drammatico prende il sopravvento. L’Unità non cambia nulla: i galantuomini si inginocchiano di fronte al nuovo Re, così come facevano con il vecchio, e i contadini si vedono sempre più oppressi, umiliati e disillusi. Per molti l’unica strada percorribile sarà quella della macchia, della guerra contro i nuovi e i vecchi oppressori, accomunati dalla stessa sete di denaro, potere e privilegi.
Signora Ava è in un certo senso l’epopea delle masse contadine meridionali, un grandissimo romanzo, imprescindibile punto di partenza per la comprensione della "Questione meridionale".   

Copertina di una vecchia edizione Einaudi Scuola

"Agostino" di Alberto Moravia: la dura iniziazione alla vita adulta

Il drammatico passaggio dall’infanzia all’adolescenza, dall’età delle certezze inossidabili a quella del dubbio, viene scandito, secondo Moravia, dalla scoperta dell’erotismo, quale chiave necessaria per acquisire una maggiore consapevolezza di sé e degli altri. Agostino è un tredicenne di estrazione borghese, che nel corso di una sola estate vede crollare tutte le convinzioni che sino a quel momento avevano sorretto la sua giovane esistenza. Ragazzino introverso e impacciato, che nutre una vera e propria venerazione per l’avvenente madre, si reca con quest’ultima in una località marina per trascorrervi un periodo di villeggiatura.

Qui incontra per caso un gruppo di ragazzacci volgari e violenti, che lo attirano irresistibilmente con il loro modo sconcio di fare e di parlare. L’incontro con questa masnada lo trasforma irreversibilmente: prima con una serie di esplicite allusioni riferite alla madre, e poi a seguito dell’incontro col pederasta Saro, Agostino viene a conoscenza, seppur in maniera vaga e indistinta, della dimensione dell’erotismo, che ne turba l’equilibrio e lo sconvolge. Il primo cambiamento che tale scoperta provoca in lui è nei rapporti con la madre, che per la prima volta inizia a vedere maliziosamente come donna dotata di una propria sensualità, e non più solo in modo tenero e innocente. Il secondo cambiamento è forse ancora più profondo: da ragazzo impacciato, candido ed educato, Agostino cerca di diventare simile ai suoi nuovi compagni di giochi, da cui è diversissimo prima di tutto per estrazione sociale.

In questo romanzo di formazione, però, la crescita del protagonista non è completa, in quanto la trasformazione è così improvvisa e subitanea che egli alla fine rimane in una sorta di limbo: non è più il bambino di un tempo e neppure un uomo, non si riconosce più nei coetanei di buona famiglia che frequentava prima, ma al tempo stesso non è divenuto un ragazzo di strada. La sua completa maturazione, come Moravia lascia intuire, si compirà soltanto nel momento in cui sarà in grado di liberarsi dei lacci imposti dalla morale borghese, percorso lungo e infelice. 
Questo romanzo condivide, assieme ad altri dello stesso genere (su tutti, Estate al lago di Alberto Vigevani), la tematica della scoperta dell’erotismo quale doloroso momento di iniziazione alla vita adulta; a differenza di altre opere, però, in Agostino tale rivelazione diventa ancora più amara e incomprensibile, per le connotazioni edipiche che essa viene ad assumere. Opera breve pregevolissima per stile, ritmo e ambientazione. Da leggere senza esitazioni.

"Storia politica della Grande Guerra" di Piero Melograni: conoscere per non ripetere gli orrori del passato

L’opera, la cui prima edizione risale al 1969, si propone di indagare gli aspetti politico-sociali della Grande Guerra, con specifico riferimento alla situazione italiana negli anni 1915-1918. Nonostante sia trascorso quasi mezzo secolo dalla sua pubblicazione, rimane una delle più complete sul tema.

Piero Melograni si è servito di un’ampissima bibliografia, specie di autori che hanno combattuto sul fronte, in modo da ricostruire con la maggiore precisione possibile le vicende, gli umori e le atmosfere di quei tragici anni. Viene così lasciato grande spazio alle parole di chi ha vissuto la guerra, di cui vengono riportati stralci di diari, articoli di giornale, lettere private e scritti polemici. A differenza di altre opere incentrate sul conflitto, in questa non vengono quasi mai riportate le parole dei fanti-contadini, ma quelle degli alti ufficiali dello Stato Maggiore, degli uomini politici (Boselli, Orlando, Salandra), dei giornalisti (il giovane Mussolini), di scrittori e intellettuali. Tale scelta è dovuta alla precisa volontà dell’autore di fornire una ricostruzione non meramente quotidiana delle vicende, privilegiando invece tutti quegli aspetti sociali, politici e giuridici che solo il ceto intellettualmente più preparato del Paese era in grado di cogliere. Questo non significa affatto che l’opera non si dilunghi ad analizzare anche gli aspetti della vita giornaliera della grande massa dei fanti-contadini, ma solo che vengono approfonditi specialmente altri temi, quali i rapporti tra Governo e Stato maggiore, le vicende politiche del Paese in guerra, il ruolo dei cattolici e dei socialisti, la funzione della propaganda e del clero. Grande spazio viene poi lasciato ad una questione solo apparentemente secondaria: la frattura che si determinò negli anni del conflitto tra contadini e operai, i primi spediti in trincea ed i secondi “imboscati” nelle retrovie, favoriti perché in possesso di nozioni tecniche. Secondo Melograni questo fu uno dei principali effetti “politici” della Grande Guerra, in quanto impedì l’affermarsi in Italia di una rivoluzione di tipo socialista, stante l’astio che si determinò tra le due classi, in particolare dei contadini nei confronti degli operai.
L’opera, inoltre, attraverso pagine che brillano per esemplare chiarezza divulgativa, offre un esaustivo resoconto delle vicende militari e delle principali battaglie del fronte italiano: le offensive dell’Isonzo, la disfatta di Caporetto e l’epilogo di Vittorio Veneto.
Il libro si conclude con una breve ma interessante analisi sulle conseguenze che il conflitto ha determinato nella società italiana: ad avviso dell’Autore, esso spalancò le porte all’avvento del Fascismo. La classe media, che aveva costituito l’ossatura dello Stato liberale, uscì distrutta dalla guerra, che viceversa rafforzò gli industriali e finanche le grandi masse operaie e, in minor parte, contadine, chiamate per la prima volta nella loro storia a svolgere un ruolo che le riscattò da un secolare signoraggio. E fu proprio quell’umanità nuova forgiata dalla guerra che scivolerà, lentamente ma inesorabilmente, verso i nuovi orrori delle ideologie totalitarie.

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